2000-е

«Для биеннале «Искусство памяти» был сделан и легендарный арт-проект молодого художника Василия Слонова «Друзья детства» в технике «рентгенограммы». Используя собственные рентгеновские снимки, рискуя здоровьем и подвергая себя опасности как художник-герой, автор изобразил персонажей литературных произведений, знакомых с детства или юношества – Карлсон, Ахиллес, Гамлет, Данко, Раскольников и другие»¹.

«Молодой художник из Иркутска Игорь Смирнов, получивший образование в КГХИ, еще в 1999 г. заявил о себе как о художнике, заинтересованном в освоении новых традиций и жанров в искусстве – вместе с М. Шараевым они подготовили выставку «Марс атакует» в 1999 г., где при создании собственных ассамбляжей и коллажей опирались на традицию поп-арта, а также дискутировали о возможности развития эстетики американского поп-арта в Красноярске.

В 2001 г. И. Смирнов продолжил выходить за рамки тех траекторий художественного движения, которые предлагала система красноярского художественного образования. На биеннале «Искусство памяти» он представил перформанс и инсталляцию «Хлеба и зрелищ» — произведение, которое пользовалось наиболее высоким зрительским интересом. Инсталляция представляла собой диван в реальный размер из буханок белого хлеба, напротив которого был установлен телевизор. Вход в выставочное пространство осуществлялся по стеклянному полу, открывающему вид на «подполье», где на постели все время действия выставки лежал художник в обнимку с девушкой и смотрел телевизор. Первичный смысл произведения считывается моментально – зритель сталкивается с изображением концепции общества потребления: потребления телевизионного контента, сопоставимого с потреблением еды.

Перформативный жест художника И. Смирнова – становление тела художника частью произведения искусства – сопоставим с мировыми практиками работы в этом жанре. Подобным образом работает и М. Абрамович, но в отличие от М. Абрамович, которая в дальнейшем пошла по пути развития и совершенствования данного жанра в своем творчестве, для И. Смирнова данный перформанс становится всего лишь эпизодом в его жизни. Подобная тенденция – одномоментное прикосновение художника к инновационной художественной практике, стремление «попробовать-понять» эту культурную диковинку, впоследствии не превращая этот опыт в деятельность на всю жизнь – характерна для красноярской художественной культуры «нулевых».

В эстетике «нулевых» особое место занимают произведения, использующие продукты в качестве художественного материала (здесь же «Кухонный супрематизм» арт-группы «Синие носы» 2006 г.). Такие произведения моментально вызывали симпатию и признание у зрителей: может быть, в позднем советском пространстве с очередями и раздачами еды по карточкам невозможно было вообразить подобные визуальные «пиры», сама возможность таковых уже обеспечивала симпатию к такого рода искусству со стороны зрителей»².

Ситникова А. А. Преобразование красноярской художественной культуры «нулевых» под воздействием культурных инноваций «девяностых» // Журнал Сибирского федерального университета. Серия: Гуманитарные науки. 2024. Т. 17. № 8. С. 1596

В истории современного красноярского искусства стоит обязательно упомянуть странного художника хакасского происхождения – Евгения Толмашева. Странного, поскольку судьба его до сих пор остается загадочной. Известно лишь, что некоторое время у него просто-напросто не было своего дома: он скитался по художественным мастерским друзей, некоторое время жил в КИЦе. При этом он не переставал заниматься живописью, шел своим творческим путем, а свой художественный стиль назвал конструктивным экспрессионизмом (подробнее о его судьбе и творческом стиле рассказано в статье Сериковой Т. Ю. «Конструктивный экспрессионизм» Евгения Толмашева // Вестник Томского государственного университета. Культурология и искусствоведение. 2020. № 39. С. 203-213)

Евгений Толмашов о своем творчестве: «Для меня характерно обостренно-контрастное видение мира, субъективизм позиции, страстность лирического «Я». Моему творчеству характерно подчеркнуто субъективное отражение жизни. Работы вступают в полемику с уже сложившейся, ставшей традиционной красноярской школой живописи.

Основной задачей в изобразительном искусстве для меня является не изображение современной действительности, а «выражение» ее сути, кричащие противоречия жизни, и ее стремительная урбанизация, непостижимо хаотические столкновения сил, враждебных естественному, природному человеку. Мои работы, если хотите, есть призыв к всемирному человеческому братству и яростный протест против войн и политического устройства современного общества. Именно это и определяет бунтарский пафос моих работ. Мировоззрение, сложившееся в реалиях конца 20-го века, определяет стилистику моих работ, их принципиальную «антиклассичность», отказ от гармонической ясности форм, тяготение к абстрактному обобщению, яростную экспрессию, взвинченность художественной интонации, устремленность к сознательному искажению картины мира.

Основная тема моих картин – это «драма крика», которой свойственна масштабность «вселенских конфликтов». Все это подается через резкость пластических ритмов, изломанность линий, контрастность цветов и деформацию пространства»³.

2002

«Мысли»
Евгений Толмашев

Выставка № 4. Диалог (Евгений Толмашев. Живопись). Кураторы – М. Букова, А. Сокульский. – Режим доступа: https://vk.com/club20148411

В 2003 году был переиздан сборник смешных и при этом немного грустных стихов Александра Левченко «Валенки самурая». Переиздание было вызвано тем, что стихи художника из Краснодарского края, некоторое время жившего в Красноярске и успевшего вместе с Василием Слоновым создать арт-группу «PeaceDатые», очень полюбились красноярской художественной среде. 

Конечно, больше всего в 2000-е годы читателей поражало дерзкое использование нецензурной лексики и признание в любви к алкоголизму в поэтическом творчестве, а также использование популярной формы японских хокку и танка.

«Вверху – бескрайнее небо,
Внизу – простор земной необъятный,
Прямо перед глазами – рука моя со стаканом.
Просто дух захватывает».

В живописном творчестве Александра Левченко также романтизировались деревенские мужики-алкоголики, проглядывала постмодернистская интертекстуальность, а жизнь деревенского поэта дополнялась воображаемыми персонажами – летающими милиционерами-музыкантами. В его творчестве всегда присутствовала самоирония. Сегодня художник живет и работает на родине, в городе Гулькевичи Краснодарского края, а в его творчестве полным-полно визуальных анекдотов постмодернистского характера и отсылок к актуальной повестке.

«В 2004 году картина «Деревянная вода» Виктора Сачивко вошла в десятку финалистов европейского конкурса живописи, проводившегося в Милане.

Данное произведение является репрезентативным для творчества художника, так как здесь присутствует образ «дождя», «эманации» корпускулярных волн в вещественный мир; создание диалога между материальным и имматериальным миром энергий; образы людей, превратившихся в идолов, истуканов, ограниченных существ. 

В интервью 2019 года художник так поясняет замысел этого произведения: «…в «Деревянной воде» два типа пространства: пространство вот такой турбуленции в матрице – это верхнее над горизонтом, а внизу – пространство деградировавшей фигурации, деградировавшей символической какой-то фигурации, деградировавшего социума, «фольк-аут», – или не готовое возродиться, или готовый памятник самому себе… А вверху турбуленция полная, но в матрице, т. е. там такие столбцы пунктиров-корпускул. Там видно, что каждый столбец этой турбуленции идёт в башку идола внизу». 

Действительно, картина строго по центру поделена на две части. В верхней части изображены семь вертикальных пунктирных линий, частицы которых представляют собой абстрактные разноцветные красочные мазки; в нижней части строго под вертикальными линиями расположено семь персонажей истуканов, идолов, по своей цветовой гамме совпадающих с цветами нисходящих на них эманационных вертикалей. С одной стороны, они имеют антропоморфные очертания – глаза, нос, рот, намеки на руки и ноги. С другой стороны, они подобны мумиям; запеленутые статуи, у некоторых из персонажей нет намека на изображение рта, что означает немоту, а выражения лиц действительно можно характеризовать как некоторую деградацию некогда одухотворенного и благородного человеческого лица. Таким образом, бедные свойства эманационной энергии материализуются в представленных на картине лишенных энергичности и ума «одеревеневших» идолов. 

Для художника, который представлял данное произведение в Милане, значимо сравнение картины «Деревянная вода» с произведением Рафаэля Санти «Обручение Девы Марии», также хранящемся в миланском музее. Художественный образ XVI века построен по подобному принципу – идеальное пространство с божественным храмом-ротондой в центре воплощается посредством эманационных квадратов орнамента городской площади в идеальных, с одухотворенными лицами и преисполненных достоинства быть людьми, людей эпохи Возрождения. В образе XXI века, созданном Виктором Сачивко, мы наблюдаем деградацию этого великого представления о человеке»⁴.

Ситникова А.А. Творчество красноярского художника Виктора Сачивко // Журнал Сибирского федерального университета. Серия: Гуманитарные науки. 2023. Т. 16. № 8. С. 1406-1407.

2004

«Деревянная вода»,
Виктор Сачивко

Картина красноярского современного искусства была бы неполной без упоминания художника Александра Краснова. С одной стороны, он состоит в Союзе художников, окончил художественное училище и развивает традиции реалистического письма. С другой стороны, стиль его работ уникален. Исследователи определяют этот стиль как «сюрреализм» в том смысле, что художник изображает инопланетную реальность, либо как «магический реализм», поскольку инопланетная жизнь изображена с такими деталями, будто он действительно видел ее своими глазами. Главные персонажи его работ – инопланетяне, которые иногда совершают очень земные действия: пьют чай или раскрашивают кувшины причудливыми узорами (здесь есть автобиографические черты – жена художника, Елена Краснова, является известным художником-керамистом), а иногда совершают непонятные нам, землянам, действия.

Во многом фантастические картины Александра Краснова были вдохновлены фантастической литературой, доступной в 90-е годы – книгами Р. Брэдбери, А. Азимова, Ф. Дика и других. Кроме того, в его работах присутствует визуальная рефлексия над собственным творчеством – например, в произведении «Кубист и примитивист в гостях у сюрреалиста». В 2000-е годы не только А. Краснов, но В. Слонов, А. Левченко и другие красноярские художники с легкостью копировали авангардные художественные стили XX века. Важно и то, что Александр Краснов – вероятно, первый профессиональный красноярский художник, который начинает осваивать цифровое искусство: использует компьютерную графику, помогающую ему придать еще большую убедительность его космическим фантазиям, делает анимационные фильмы.

Олег Пономарев – профессиональный художник; он окончил Красноярское художественное училище имени В. И. Сурикова и руководил молодежным отделением Союза художников. Но после скандального появления в передаче «Секс с Анфисой Чеховой» он был из красноярского Союза художников исключен и начал сотрудничать с разными организациями – выставлял свои концептуальные произведения в КИЦе, создавал медиа-лабораторию в «Доме кино», уезжал работать в Москву. На сегодняшний день творчество Олега Пономарева изучено не очень хорошо, а некоторые его работы вдобавок довольно сложно точно датировать: многие из них вообще не имеют материальной формы, как и положено произведениям концептуального искусства. 

В 2006 году им был создан видео-арт «Пепперштейн в Мотыгино». В нем он в обнаженном виде читает стихи Павла Пепперштейна на фоне поленницы в своем родном селе Мотыгино. Также видео включает в себя съемку традиционных деревенских посиделок, где алкогольное опьянение и низкие шуточки соседствуют с возвышенными разговорами о смысле бытия. Такая философски-алкогольная деревенская фактура жизни у Олега Пономарева сама превращается в искусство. Для обозначения такого рода произведений художник придумал термин «медиа-мейд», по аналогии с реди-мейдом Марселя Дюшана – выхваченный из жизни фрагмент, снятый на видео, который сам по себе можно рассматривать как произведение искусства. Интересно, что в красноярском искусстве последовательно просматривается биполярность деревенской жизни – и ее вопрошание о возвышенном, и ее хтоническая природа. 

Словенский художник Матей Андраж Вогринчич работает с темой локальной идентичности в жанре «энвайронмент-арт», создавая множественный реди-мейд. К вопросу обнаружения локальной идентичности он подходит «в лоб» и берет самое очевидное: в дождливом Мельбурне работает с зонтиками, в рыбацком Ливерпуле – с лодками, в австралийской пустыне – с лейками. Прилетев в Красноярск, о котором он предварительно ничего не узнавал, художник еще в аэропорту увидел герб города – льва с лопатой, и решил использовать лопаты для создания своего объекта. 

Перед зданием музея он построил платформу высотой примерно 1,5 метра, на которую выложил уголь и 300 лопат, черенки которых были окрашены красным, а полотно золотым (цветовая гамма также была позаимствована у герба). К платформе он приставил лестницу, на которую должен был всходить зритель – к идеальной точке зрения на произведение, к ракурсу, при котором золотые лопаты устремлялись прямиком к горам, в сторону Столбов. 

Одним из замыслов паблик-арт произведения было представить Красноярск как город, где главной деятельностью является добыча полезных ископаемых, а горный ландшафт вокруг определяет город как подходящее место для добычи ресурсов. Но, безусловно, каждый зритель расширял смысловое поле произведения, исходя из своего опыта: красно-золотая гамма могла напомнить любимое в китайской культуре цветовое сочетание (тем более, что в то время рядом находился китайский торговый квартал с большим количеством красно-золотых фонариков), и тогда уличная инсталляция превращалась в произведение о диалоге русской и китайской культур.

Художник-керамист Сергей Ануфриев – еще один представитель академического художественного сообщества (член Союза художников России, Академик РАХ), чье творчество можно рассмотреть в контексте актуального искусства. Неслучайно в первые годы проведения биеннале он старался представить свои работы на этой выставке. Работы Сергея Ануфриева сегодня рассматривают в рамках наиболее признанного направления в сибирском современном искусстве – сибирской неоархаики, оперирующей архаической сибирской образностью (петроглифами, менгирами), но использующей современные изобразительные средства. Сергей Ануфриев создает пространственные композиции из керамики и естественных материалов и часто размещает их в природном пространстве, чтобы они взаимодействовали с окружающим ландшафтом, ветром и солнечным светом.

Голландская художница Марьян Тиувен придумала собственную технику создания абстрактных картин в объеме и пространстве. Это случилось еще в ее студенчестве, когда она «психанула» и в приступе творческого кризиса спрессовала вещи, находящиеся в ее комнате, в одну стопку, при фотографировании которой получилась абстрактная картина. В этом смысле Марьян Тиувен является продолжательницей классического абстрактного голландского искусства, начало которому положили Пит Мондриан и Тео ван Дусбург. Художница работает в домах, предназначенных под снос: перед их разрушением частично разбирает дом, распиливает разобранные части на мелкие кусочки и собирает из них абстрактные картины. 

В Сибири она увидела уникальную возможность поработать с деревянным домом. По счастливой случайности в 2009 году в центре города по ул. Урицкого, 112 как раз сносили двухподъездный двухэтажный деревянный дом, декоративно обитый голубым штакетником. В ходе создания своего произведения Марьян Тиувен работала с одним подъездом, с четырьмя комнатами на втором этаже: она выпилила части стен, пола и потолка, чтобы создать эффект линейной перспективы; содрала внешний штакетник, распилила его на кусочки, покрасила в черный и белый цвет и выложила этими дощечками все поверхности, которые попадали в поле зрения при взгляде с двух противоположных крайних точек. 

Надо сказать, что наблюдение за процессом создания произведения приводило к интересным философским рассуждениям: женщина-инвалид энергично таскает доски, пилит лобзиком и ловко лазает по стремянке, охваченная идеей увидеть свою задумку в реальности, а пять мужчин-ассистентов по три часа рассуждают, обвалится или не обвалится стена дома, если выпилить ее боковую часть, а также «зачем мы вообще делаем такую фигню».

В конечном счете Марьян Тиувен сделала две фотографии – ради этих фотографий и была проделана вся предварительная работа. Первая – вид на сокращающиеся в линейной перспективе концентрические черные окружности, заканчивающиеся черным кругом в крайней комнате. Продолжательница традиций абстрактного искусства, приехав в Россию, не могла не вспомнить главное русское абстрактное произведение – «Черный квадрат» Казимира Малевича, и вступила с ним в геометрическую полемику, создав «черный круг». Вторая фотография, наоборот, сделана с точки зрения от «черного круга» на противоположную стену, на которой рациональная выкладка черно-белых дощечек нарушена, и к стене в хаотичном порядке прибиты разноцветные доски, оставшиеся от всех строительных процессов. Так получилась абстрактная экспрессивная картина, а абстрактный экспрессионизм, в свою очередь, был рожден в Америке. Таким образом, в доме создается конфронтация между двумя традициями абстрактного искусства – русской геометрической абстракцией и американской экспрессивной абстракцией.

Александр Суриков решил, что важно мыслить не отдельными произведениями, а создавать концептуальные серии. В 2010-м он представил две серии работ – «Новый город» и «Пробка». В это время Александр изучал искусство молодых британских художников, в частности, их новые художественные техники.

Серия «Новый город» представляла собой набор картин в духе бледной геометрической абстракции, однако за ней скрывался узнаваемый реальный прототип – городские новостройки из разноцветных панельных блоков, взятые в кадр крупным планом. Подобный прием – превращение в абстракцию явлений реального мира методом кадрирования – получил распространение в красноярском искусстве 2010-х годов. В частности, молодой художник Алексей Мартинс некоторое время спустя представит серию картин с белыми линиями на голубом фоне, прообразом для которых станут следы от пролетевшего в небе самолета.

Серия «Пробка» состояла из сбитых в один ряд разноформатных картин, изображавших вид автомобилей и автобусов сзади, имитировала для зрителя стояние в пробке. Если у обычного пассажира заторы на дороге вызывают исключительно раздражение, то для художника пробка превращается в визуально-поэтическую игру цветов, цифр и букв, в своего рода визуальную поэзию.